30 músicos callejeros de todo el mundo versioneando "Stand by me" para enviar un mensaje global de paz a través de la música. Pura magia. Una buena manera de terminar 2008 y afrontar 2009, ¿no?.
FELIZ AÑO NUEVO
Más info: http://www.playingforchange.com/
La mitad de nuestras vidas
Magnesia
Vapor de carga
La música bluegrass es interpretada por bandas cuyos instrumentos principales suelen ser gitarra, banjo, mandolina, violín, bajo y, en ocasiones, el dobro. La parte vocal es armonizada en trío o dúo, siempre con una voz muy alta de característico sonido desgarrado y cautivante conocido como high lonesome sound.
El bluegrass se desarrolló como género musical en la segunda mitad de los años 40. Aunque suele darse a Bill Monroe el título de "padre del bluegrass", en realidad las raíces del estilo son anteriores, remontándose a las antiguas bandas de cuerda rurales y mineras del siglo XIX, populares en varios estados del sudeste de Estados Unidos, con influencias de otros estilos musicales, como el blues, ragtime o jazz. La denominación del estilo sí deriva de la banda formada en 1939 por Bill Monroe, los Blue Grass Boys.
Alison empezó a grabar discos con ¡¡catorce años!! y es en gran parte responsable de traer la música Bluegrass al público mayoritario. Mezclando la instrumentación rústica de este estilo con la sensibilidad de las letras, Krauss tiene éxito en fusionar la tradición con la innovación, para crear canciones pegadizas. Su voz suave flota alrededor de canciones excepcionalmente interpretadas por su banda de siempre Union Station, un supergrupo cuyos componentes tienen carreras en solitario.
Yo compré en 2002 el disco en directo sin conocerlos de nada, sólo por la portada, y la verdad que es de los mejores discos que tengo en casa. Como curiosidad, participó en la BSO de O Brother de los hermanos Cohen y George Clooney y que es en sí misma un homenaje a la música americana más tradicional.
Más info: http://www.alisonkrauss.com/Man of constant sorrow
Let me touch you for a while
Seguimos por Euskadi. A estas alturas, ¿qué se puede decir de Kepa Junquera?. Un músico que ha universalizado la música tradicional vasca, aportando nuevas composiciones y realzándola mediante el mestizaje con otras músicas de raíz celta, balcanica y africana.
Kepa comenzó su carrera discográfica en 1987 y pronto destacó como algo más que un buen intérprete del acordeón diatónico vasco, la trikitixa. Tenía sus propias inquietudes musicales y quería explorar nuevos universos sonoros. En 1995 graba Lau Eskutara, disco con el que yo le conozco y que realiza con el gran Julio Pereira, gran figura de la música portuguesa.
El bombazo llega en 1998 con el disco Bilbao 00:00, que llega a ser disco de oro y eso que fue editado por un sello independiente. También supuso su consagración artística a nivel internacional y su consideración como estrella de la world music. Es un disco doble, declaración de amor a su ciudad natal, en el que tienen cabida los sonidos de medio mundo, de Canarias al Mediterráneo, Québec, Centroeuropa, África, Galicia, Portugal, Irlanda...
Con este disco inicia un camino que siguen trabajos como Maren, Hiri, K... hasta el reciente Etxea, en el que recoge colaboraciones con populares cantantes como Gines Ortega, Estrella Morente, Loquillo, Calamaro, Ana Belen y Victor Manuel, Miguel Bosé, etc.
Mención aparte para sus directos, de los más potentes que se pueden ver.
Maitia Nun Zira (con Dulce Pontes)
Santimamiñeko Fandangoa - Ioaeoe
Ny Hirahira
Busturiko Vikingoak
Gaztelugatxeko martxa
"Si le hubiera cortado las alas
habría sido mío,
no habria escapado.
Pero así, habría dejado de ser pájaro.
Y yo...yo lo que amaba era un pájaro."
Para que no sepa a poco, dos vídeos más. El primero, Habayta, es una canción sobre la vuelta a las raíces. El clip muestra imágenes de un viaje que hizo el grupo con la cantante Cabra Casey a la cabeza a Etiopía, su país de origen y cuya aportación al sonido del proyecto es evidente.
El segundo Be'yom Shabbat (En Shabbat), es una buena muestra del sonido de Idan, mezclando los sonidos electrónicos y el rap con un antiquísimo canto judío.
Que los disfrutéis y a ver cuando vuelven por España para disfrutar de su directo.
Habayta
Be'yom Shabbat
Para su legión de seguidores en todo el mundo los Pogues siguen siendo un grupo insustituible. Para reir y para llorar, para bailar y para escuchar, para gritar los estribillo.. Nada como unas buenas cervezas y Shane cantando con esa voz cascada sus viejos temas. Diversión asegurada.
Dirty Old Town
Sally MacLennane
Gipsy.cz puede considerarse la gran revelación en el actual panorama musical de la República Checa. Se trata de un grupo integrado por cuatro jóvenes gitanos con un gran talento musical que mezcla géneros tan distintos como el folk de su país y de su etnia con el rap, el hip hop o los sonidos electrónicos
Las canciones de Banga lograron rápidamente cautivar a un amplio sector de los jóvenes checos y europeos con letras que tienen un profundo mensaje social de actualidad, son verdaderas declaraciones de amor o cuentan historias jocosas que divierten a todos los públicos. Canciones en romaní, que gracias a su temperamento se han convertido en éxitos que se tocan las discotecas de las mayores ciudades checas.
Thin Lizzy (mítica versión de la banda de Phil Lynott)
Johnny Logan and Friends (un poco cursi)
Guezos - Whisky e Licor (version libre en castellano) incompleta
Nithel (versión dance)
Metallica (a lo bestia)
The Pogues (con The Dubliners)
U2 (en directo en Dublin)
Glamour Djs (version disco)
Mishaela
Beautiful that way
Haydamaky es uno de los primeros grupos ucranianos que saltan a la escena internacional firmando con una multinacional. Su mezcla de música tradicional de los Cárpatos con ska, punk, heavy, rap o reggae les ha llevado a ser una de las bandas más populares de su país. El grupo comenzó en 1991, cuando Ucrania se independizó de la Unión Soviética. Desde entonces han ido sumando nuevos miembros y acercándose cada vez más a la música folk de regiones de su tierra como Bucovina, Polesia o los Carpatos y también de los vecinos Balcanes. En 2001 adoptaron el nombre de Haydamky, en honor a los guerrilleros que en el siglo XVIII se sublevaron contra los ocupantes polacos.
Sus canciones fueron himnos del pueblo en los recientes días de la Revolución Naranja, lo que facilitó que su música traspasase las fronteras de su tierra. En los dos últimos años han girado por los escenarios de europa occidental y oriental y han participado en prestigiosos festivales de músicas del mundo, recibiendo varios premios.
La música de Haydamaky destila un profundo respeto por la cultura de su tierra y establecen una conexión entre el pasado y el presente. Recuperan las viejas melodías de las zonas rurales de los Carpatos pero las interpretan con una actitud punk (en ese aspecto, recuerdan a los legendarios The Pogues). A los instrumentos del rock (batería, bajo, guitarra) le suman la mandolina, las flautas, el acordeón o las trompetas. El resultado son temas vibrantes y un poco salvajes, interpretados por músicos que disfrutan con lo que hacen y que además son excelentes intérpretes.
Message
If you have no bread
La cantante nacida en Lake Charles grabó esta obra maestra con la colaboración de músicos del nivel de Steve Earle, Emmylou Harris o los guitarristas Gulf Morlix, Buddy Millar, Bo Ramsey y Ray Kennedy. Hoy es un clásico.
Puede ser considerado como el mejor de sus (excelentes) discos, ahora reeditado con más canciones y con un concierto en directo extra. 'Car Wheels On A Gravel Road' está en la mayoría de las listas de los mejores 100 discos de la historia del rock. Un disco total, sin una sola canción mala, sin un minuto innecesario, sin un acorde superfluo.
Os dejo la opinión de otro blogero sobre este trabajo porque yo no puedo expresarlo mejor: "Hay discos que, cuando los pones en el reproductor, suenan a madera. Otros llenan el aire de vapor de anfetaminas, los hay que lo inundan de humo opiáceo y también están los que echan polvo, gasolina y grava. Car wheels on a gravel road es uno de ellos. Lucinda Williams estruja el tarro de las esencias del sonido 
americano en este disco que ahora cumple ocho años. Mientras durante los noventa el mercado europeo estaba saturado de grupos británicos, en Estados Unidos salían artistas de debajo de las piedras –todavía hoy- que no cruzaban el charco. La chica del gorro vaquero con miedo a volar iniciaba su carrera en solitario a finales de los setenta con álbumes que la crítica califica modestamente –debe ser difícil conseguirlos-.
Tras la reedición de sus primeros discos, reclama su sitio con Sweet Old World, en 1992, pero desaparece hasta que seis años después hace esta obra maestra sobre la vida en Louisiana y Texas, sobre ángeles borrachos, promesas rotas y silencios que han de ser guardados. El disco mezcla guitarras eléctricas de doce cuerdas con armonías vocales cercanas a The Band –Right in Time-, mandolinas y slide tocados bajo la sombra de un acordeón –Concrete and Barbed Wire- y guiños a los Rolling en algunos riffs de guitarra –I Lost It-. Pero, por mucho que lo intento, no encuentro palabras para describir Greenville, un dueto con Emmylou Harris en el que cantan al oído de los peor parados de la historia. Letras sobre perdedores, lugares remotos de Estados Unidos, rabia contenida o desatada, borracheras que acaban mal y carretera. Mucha carretera, poco dinero, una guitarra y tanto whisky como polvo para tragar".
(Blog Los archivos lúcidos http://pedrogonzo.blogia.com/2006/octubre.php)
Más info: http://www.lucindawilliams.com/
Right in time
Car Wheels On A Gravel Road
Drunken angel
I envy the wind
La música de Lila Downs pertenece a las dos riberas del Río Grande: México y Estados Unidos. Heredera de dos culturas, la mexicana y la norteamericana, la cantante de Oaxaca recupera y reinventa la música tradicional mexicana.
Hija de un norteamericano, de origen escocés, y de una mujer mixteca, Lila comenzó a cantar con mariachis a los ocho años. A los catorce inició sus estudios de canto en la ciudad de Los Angeles, California, y continuó estudiando en la ciudad de Oaxaca de Juárez. Volvió nuevamente a Minnesota donde estudió canto y antropología social en la Universidad de Minnesota.
Casi casi se convierte en cantante de ópera. La facultad le aburrió y cambió de planes. Pudo más Lola Beltrán, Cesárea Evora, Virginia Rodriguez y más allá Miles Davis y Woody Guthrie. Se hizo antropóloga. Pudieron más las mujeres indígenas, el interés por las raíces, la etnia, el significado de las costumbres y los símbolos de una cultura propia y ajena. La recuperación de una cultura que la impregnó escuchando a su madre.
Yo la conocí en 2001 a través de su disco "La línea (The border)", dedicado a todos los latinoamericanos que se juegan la vida intentando alcanzar los Estados Unidos para caer, en su mayoría, en la marginación y la explotación laboral. Lila sorprendía por su frescura pero sobre todo por los sonidos mestizos de la música de la etnia mixteca, la más conocida música mexicana y el tex-mex. Y como no, por su voz.
Su último disco "Ojo de Culebra (Shake away)" de 2008 cuenta con grandes colaboraciones, algunas españolas como Enrique Bunbury o La Mari de Chambao. En esta ocasión, se inspira en la cultura chamánica de los indígenas mexicanos. Cantos que ayudan a sanar el alma. Quien sabe, tal vez sea cierto.
Más info: http://www.liladowns.com/
El corrido de Tacha
Justicia (con Bunbury)
Cumbia del Mole
Bellas
Dos
¿Que es lo que pasa?
La Alternativa Libertaria
Loco por Soñar
The Kandil
Moja Mala
Samulei
Manu Samoa
otros estilos y proyectos basados en ritmos del sur del país que es mucho más comprensible y accesible para los oídos occidentales.My hope is in you
Bercy
Wake Up (Africa is calling)
Seven Seconds
Tras algunas pruebas y sin muchas expectativas, en 2000 publicaron mil copias de su primer single, Vuelvo Al Sur/El Capitalismo Foráneo (tema en el que incluyen un sampleado de un discurso de Eva Perón de 1948 en el que denuncia el "capitalismo foráneo").Santa Maria del Buen Ayre
El Capitalismo Foráneo
Vuelvo al Sur
La acogida de LLunáticos es igualmente buena y Tejedor se consolida como grupo referente de la música tradicional de nuestro país. Además, muestran su música en los más importantes festivales europeos.
A finales de 2006 aparece "Música na Maleta", el esperado tercer disco de estudio de Tejedor dedicado a la memoria de Ígor Medio y Carlos Redondo de Felpeyu y producido por Tejedor y César Ibarretxe.
De los 12 temas, y a excepción de una jota tradicional, las piezas restantes son composiciones de nueva creación escritas por Tejedor. Además de la aportación póstuma de Igor Medio (guitarras y bouzouki), participan James MacKintosh (percusión), Faltriqueira (voces), Mike McGoldrick (flauta travesera), John Joe (bodhram), Héctor Braga (violonchelo y zanfona), y otros.
Muñeiras pa Gordon Duncan, Cimiamo, Armagh, Saltón d´ Iyana, El regresu son algunos de los títulos de las 8 piezas instrumentales a las que hay que sumar 4 canciones de las que tres llevan la impronta literaria de Ruma Barbero y Lisardo Lombardía: Seique Non, La Maleta al Agua y LLuna d´Abril.
Destacar también su directo, uno de los más potentes de los que se pueden disfrutar hoy día en los escenarios. Como muestra, algunos videos.
Gaites del infiernu
La Casadina
LLunáticos
Chalaneru (canta Chus Pedro)
Seique non (en directo con Faltriqueira)
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con la grabación en estudio de una maqueta de ocho temas obtiene muy buena acogida y las 800 copias de la primera edición se agotan en menos de 6 meses. En el verano de 2005 editaron su segunda maqueta lo que les permitión empezar a aparecer en programas de radio y ofrecer sus primeros conciertos.
C’est bien mieux comme ça (en directo)
Vu De Là-Bas
En 1998 compre un disco de Ismael Lo titulado "Jammu África". No sabía lo que me iba a encontrar pero ya conocía a Yossou Ndour y como Ismael también era senegalés pues me arriesgué. Más tarde supe que ese album era una recopilación de antiguos éxitos de Ismael Lo y que era el primer disco de este artista que se editaba en nuestro país. Me encontré un disco fantástico que he tenido que regrabar en varias ocasiones para familia y amigos.
Ismael Lo es lo que nosotros llamaríamos un cantautor, acompañado de su guitarra, su armónica y su voz. Pero también es un músico que actúa con una gran banda detrás. Lo que más destaca es su voz, distinta pero tan especial como la de Yossou Ndour (plata líquida, la definió Peter Gabriel) y que lo convierte en un gran baladista.
Senegal es uno de los países más ricos músicalmente hablando de toda África, continente que destaca por su fertilidad artística. Aunque nacido en Níger (1956), pasó la mayor parte de su infancia y juventud en Senegal, donde creció musicalmente escuchando mbalax y otras sonidos tradicionales de su país y discos de Otis Redding, Wilson Pickett o Jimi Hendrix que encontraba en las colecciones de sus hermanos. Su música refleja este mestizaje, es una mezcla de ritmos tradicionales actualizados y elementos mas propios de occidente, sobre los que destaca su voz tanto en wolof, francés o inglés.
Ismael se hizo notar, en los primeros años 80, militando en la clásica banda de Dakar "Super Diamono" antes de empezar su carrera en solitario.
Como anecdota, actuó durante casi un año en clubes de la Playa del Inglés (Islas Canarias), donde también le dejaban colgar los cuadros que pintaba, antes de ser considerado uno de los grandes de la música de Africa.
En 1990 grabó su primer disco en Francia que le dio fama internacional, gracias sobre todo al tema "Tajabone" que años después elegiría Almodovar como tema central de la oscarizada "Todo sobre mi madre". Desde entonces Ismael ha actuado por todo el mundo y ha colaborado con grandes artistas. Denominado el Bob Dylan africano, Lo es uno de los pioneros en acercar la música africana a los países occidentales, abriendo la puerta a una nueva generación de brillantes músicos.
Tajabone (B.S.O. Todo sobre mi madre)
Without Blame con la gran Marianne Faithful
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